«Dejé la música muy pronto. El conservatorio rompió mis sueños». Se oyen a menudo estos comentarios de personas que se arrepienten de haber abandonado la música toda su vida. El solfeo, el dictado, los profesores de música autoritarios y los métodos punitivos eran legión en la educación musical.
Desde los años 70, se ha producido un repunte. Es cierto que aún no todos los establecimientos han realizado el cambio deseado, ni tampoco todos los profesores, pero hoy en Francia el cambio está consagrado en las instituciones y los proyectos educativos de los establecimientos que imparten enseñanza musical.
Este cambio comenzó con una constatación de disfunción y una visión de lo que había que hacer para que funcionara. Ha alterado profundamente la relación entre el conocimiento y el profesor, y podría convertirse en fuente de inspiración para otras disciplinas que luchan por transformarse en aras de una mayor eficacia y humanidad.
Educación musical: el legado de la "vieja escuela
40.000 años: ésa es la edad de la flauta más antigua descubierta en Alemania en 2008 (1). En el Paleolítico, la música ya formaba parte de la vida cotidiana de los habitantes de nuestro planeta. Es posible que se utilizara para acompañar rituales religiosos, bélicos, tribales o familiares.
Sin embargo, no hay constancia de cómo se transmitía esta práctica, pero podemos imaginar que, como ocurre con otras prácticas, se transmitía simplemente escuchando, observando y practicando. La partitura más antigua encontrada data del año 1400 a.C. y se halló en la antigua ciudad amorrita de Ugarit, en la actual Siria (2). Y fue precisamente el desarrollo de la notación, al igual que la escritura, lo que permitió teorizar la música y, por tanto, transmitirla de forma más sólida, aunque no necesariamente más amplia.
De la Edad Media al Renacimiento, la composición musical evolucionó gracias a la técnica de notación de los ritmos, el número de voces, la altura de las notas y los nombres de los diferentes modos. La música se teorizó y, por tanto, pudo transmitirse por medios distintos de la observación y la práctica. Pero el cambio de rumbo fue repentino, dejando a los incultos a las puertas de la música. La música se volvió elitista y se enseñaba a las castas altas de la sociedad.
En 1795 abrió sus puertas el primer Conservatorio Nacional de París.
"Los extractos del reglamento del Conservatorio fechados el 15 de Messidor del año IV (3 de julio de 1796) nos informan de que la enseñanza del solfeo es un requisito previo para cualquier otro aprendizaje -ya sea de instrumento, canto o composición- y constituye el primer nivel de estudio en el establecimiento". (4).
Y hasta aquí hemos llegado. Esta tradición perduró hasta finales de los años 80 en escuelas, institutos y conservatorios. A los alumnos no se les permitía tocar un instrumento musical hasta que no hubieran estudiado solfeo durante al menos dos años. Las estadísticas sobre los abandonos antes del final del primer ciclo son difíciles de conseguir, pero es fácil escuchar los numerosos testimonios de antiguos alumnos que criticaban esta enseñanza por ser demasiado académica y poco interesante. Sólo aquellos que pudieron resistirla, o que tenían facilidad para el aprendizaje teórico, dicen hoy que era un paso obligado y que no se arrepienten hoy de haberlo dado porque la enseñanza era sólida y les permite hoy una fácil comprensión de la música. Así seguía el argumento.
Sin embargo, en 1977 se produjo una ruptura. "Las ideas de Marcel Landowski, entonces Inspector General desde 1975, pueden explicar, entre otras cosas, la desaparición del solfeo y el fomento de la expresión creativa de los alumnos. Ya en 1968, cuando era jefe del Departamento de Música del Ministerio de Cultura, escribió en una nota (Landowski, 1968, 3 de mayo) sobre los programas de estudios de seconde, première, terminale, sección A y los exámenes de música:
"Inspirado por la idea, que me parece esencial, de que 'las disciplinas de la sensibilidad son tan importantes para la formación de un hombre como las disciplinas del conocimiento', he propuesto un programa que llama sobre todo a la participación de los alumnos en diversas actividades musicales, es decir, la creatividad, la improvisación, el conocimiento práctico de los elementos sonoros puestos a nuestra disposición por la ciencia y, por último, la reflexión sobre los diversos aspectos psicológicos, sociales e históricos del fenómeno musical. Por ello, no he aceptado el proyecto presentado por el Inspector General Favre, un proyecto basado en la teoría musical, el análisis armónico y la historia de la música" (5).
Este momento decisivo, que volvió a situar la práctica, la sensibilidad y la creatividad en el centro de la enseñanza de la música, condujo a la introducción de nuevas prácticas pedagógicas en las instituciones.
La aparición de métodos pedagógicos activos en la enseñanza de la música
Cefedem Rhône-Alpes es un centro de enseñanza superior para profesores de música franceses. En 2014, Cefedem experimentó con un nuevo tipo de enseñanza musical. (6)
"Basada en la enseñanza por proyectos y por contratos, esta formación novedosa sustituye la noción actual de géneros musicales por la de prácticas de los músicos, permitiendo para cada momento musical y cada situación de formación pedagógica analizar los procedimientos utilizados, analizar las maneras en que los músicos cooperan entre sí e inventar dispositivos que creen contextos musicales y pedagógicos dedicados a tales enfoques." (6)
En esta experimentación, la relación entre el conocimiento y el profesor se altera profundamente. El profesor se convierte en facilitador y los alumnos producen actividades creativas o productivas basadas en sus propios conocimientos.
"Sin negar el conocimiento ya teorizado, podemos crear sistemas de aprendizaje que animen a los alumnos a producir teoría por sí mismos".
La segunda gran evolución se refiere a la creación de situaciones en las que los alumnos deben tener éxito. Aquí podemos ver los paralelismos con la buena práctica de AFEST (Action de Formation en Situation de Travail). El proceso no se centra en un programa a seguir, sino en una sucesión de situaciones propuestas por los alumnos, y no impuestas por la institución. Cada estudiante debe describir y proponer tres retos.
- Para el primer proyecto, cada alumno debe presentar un reto inicial centrado en su práctica dominante, en la que más disfruta y apoyado en sus puntos fuertes.
- Para el segundo proyecto, cada alumno debe elegir una práctica musical cercana a la suya, un repertorio que no haya probado antes o un estilo de música que conozca poco. Un músico clásico podría experimentar con el repertorio barroco, un músico de rock podría probar suerte con el rap o un músico de bebop jazz podría explorar el free jazz.
- Por último, el tercer proyecto implicaría al estudiante en un campo en el que no tiene conocimientos, uniéndose a un grupo colectivo acostumbrado a tocar un repertorio con el que no está familiarizado.
Los tres proyectos deben desembocar en una actuación ante un público ajeno a la comunidad inmediata de Cefedem. Es el estudiante quien organiza estos conciertos (elección de los músicos, organización del material). También es el estudiante quien determina los criterios de éxito de sus proyectos, validados por el equipo de formadores.
La relación entre el individuo y el grupo también ha cambiado radicalmente. Hasta ahora, aparte de los dictados musicales o rítmicos en grupo, en los que en última instancia se deja al individuo a su aire y a su comprensión, o los ensayos colectivos, el grupo ha estado relativamente ausente de la enseñanza musical. Sólo Nadia Boulanger, eminente pedagoga que formó a numerosos compositores y músicos eminentes (Daniel Barenboim, Pierre Henry, Philippe Glass, Leonard Bernstein, John Eliot Gardiner, Aaron Copland, así como Quincy Jones y Astor Piazzolla), creó una clase colectiva llamada les Mercredis de la rue Ballu (el nombre de su domicilio parisino) (7). Todo el París musical acudía a sus clases.
Se trataba de resolver en grupo un problema musical. No sé si es musicalmente útil, pero socialmente es indispensable", afirma.
En los nuevos planteamientos de la enseñanza musical, la práctica en grupo se convirtió rápidamente en obligatoria. Los alumnos se codean con los demás, modifican su capacidad de escucha, dejan de centrarse en la partitura y tienen que aceptar sus propios errores, que pueden poner en peligro la interpretación del grupo. También se dejan aconsejar por sus compañeros en el atril en caso de dificultades, y pueden a su vez dar consejos si es necesario. Crear una obra sencilla de acuerdo con un pliego de condiciones establecido por el equipo docente, o adaptar en grupo una obra conocida, puede ser un ejercicio que requiera muchas más competencias que las musicales: cooperación, acuerdo, toma de decisiones, ensayo y progreso.
Aunque estos cambios en los métodos de enseñanza no han sido plenamente integrados por todos los profesores de música, ya están institucionalizados en las escuelas francesas. Han hecho falta unos 40 años, si tomamos como punto de partida la orientación de Marcel Landovsky en 1977. Puede parecer mucho tiempo, pero si se compara este plazo con la evolución pedagógica de la educación, sólo se puede concluir que el cambio ha sido rápido. De hecho, las primeras teorías que propugnan la enseñanza activa (Freinet, Montessori, Dewey) se originaron a principios del siglo XX y no puede decirse que estén muy extendidas hoy en día. Por lo tanto, podríamos inspirarnos en lo que ha ocurrido en la enseñanza de la música en otras disciplinas.
La enseñanza de la música: ¿fuente de inspiración para otras disciplinas?
Como hemos visto, la enseñanza de la música ha experimentado cambios profundos, basados en una serie de palancas
- Alternancia entre la práctica individual y la práctica en grupo
La enseñanza basada en proyectos ya está presente en la enseñanza secundaria inferior y superior y en la enseñanza superior más técnica. Lo que quizás falta en estos proyectos es la noción de reto, que permitiría medir si el proyecto corresponde realmente a una voluntad de progreso por parte de los alumnos. Por otra parte, esta alternancia entre enfoques individuales y colectivos no es muy frecuente en la formación profesional continua, sobre todo en los cursos cortos, donde muy a menudo todo se hace colectivamente, pero no en forma de enseñanza por proyectos.
A diferencia de la enseñanza de la música, en la que se privilegiaba la supervisión individual antes de los años 80, en la enseñanza clásica se prefiere el enfoque colectivo. Devolver un lugar al individuo, y por tanto a la individualización, se beneficiaría por tanto de desplegarse en particular a través de tutorías o de dispositivos de apoyo individual.
- Equilibrio entre técnica y creatividad
La creatividad sigue siendo una de las competencias clave para muchos grupos de reflexión laboral del siglo XXI. Sir Ken Robinson, en su famosa charla TED de 2006 titulada "La escuela mata la creatividad", ya lo decía (8), afirmando que la escuela no sólo no permite que surja la creatividad, sino que, lo que es peor, la impide. El ángulo de la investigación representa una promesa iniciada por algunos y que podría servir para muchas disciplinas.
El proyecto Les Savanturiers - Ecole de la Recherche iniciado por François Taddei y Ange Ansour destaca cuatro dimensiones del enfoque científico, la primera de las cuales es la creatividad: "Para desarrollar "las 4 dimensiones de la actividad científica del alumno: creativa, metodológica, crítica y colaborativa", ayudan a los alumnos a familiarizarse con los métodos, conceptos y herramientas de diversos campos de la investigación científica y a reforzar su metacognición" (9).
Además, el Design Thinking podría aplicarse con provecho a una amplia gama de proyectos de los alumnos con el fin de desarrollar las habilidades creativas, iterativas y de comprobación, tan útiles en el proceso creativo.
- La importancia de la motivación intrínseca y el placer de aprender
Todos sabemos que los errores son esenciales para todo aprendizaje, con una condición: ¡que se puedan aprender! Se trata de desarrollar la motivación intrínseca del alumno o estudiante que entra en juego en el desarrollo del placer de aprender. Todos los músicos lo saben. Hay un hito que hay que superar cuando se trabaja individualmente, y este hito podría llamarse "Cuando el trabajo se convierte en un placer".
Al principio, el trabajo es tedioso, desagradable y lleno de errores. Luego llega el momento en que el progreso proporciona una recompensa vital para nuestra autoestima. Pues bien, algunos profesores innovadores reflexionan sobre esta cuestión y ponen en marcha sistemas que permiten a sus alumnos superar esta etapa. Es el caso, por ejemplo, de Johanne A. Séguin, profesora de matemáticas, que promueve con sus alumnos principios sencillos pero eficaces (10):
"¡La competición es con uno mismo, no con el grupo! ¡Haz que los alumnos se diviertan en clase! Destacar las cualidades de un buen alumno y fijar objetivos. ¡Demostrar que los errores son buenos!
- La voluntad política de cambiar las cosas
Por último, como hemos visto, el cambio fundamental de la enseñanza de la música en Francia vino de un hombre en particular, Marcel Landovsky, una figura legítima y bien situada en la jerarquía, que tenía una visión clara de los cambios necesarios. Después, probablemente, los directores de los centros se hicieron cargo de él y tuvieron que aplicar los cambios necesarios lo más cerca posible de los profesores y alumnos, que eran a su vez actores clave de estos cambios.
Esto demuestra claramente que es a través de la voluntad política y el desarrollo de una visión clara de los cambios necesarios como la educación puede evolucionar en una dirección que cambie la relación entre el conocimiento y los profesores, y permita a los alumnos convertirse en actores de su propio aprendizaje.
Referencias
- Los orígenes de la música prehistórica - France Culture - https://www.radiofrance.fr/franceculture/a-l-origine-de-la-musique-prehistorique-4952548
- La evolución de la notación musical - https://beaune.bibli.fr/images/site/beaune/fonds/fondsParticuliers/livretlight_expo_partitions.pdf
- La enseñanza de la música en el Renacimiento - Philippe FVendrix- https://shs.hal.science/halshs-03171201/document
- Los "Principios elementales de la música" y el "Solfeo para el estudio en el conservatorio de música" HEMEF- 2017- https://hemef.hypotheses.org/263#more-263
- La estructuración de los planes de estudios musicales en Francia de 1925 a 1997- Odile Tripier-Mondancin- HEMEF- p19- https://shs.hal.science/halshs-00609151/document
- Diferencias de géneros musicales o diferencias de prácticas? Una manera de renovar las prácticas pedagógicas en música- Société québécoise de recherche en musique- Eddy Schepens - 2014 https://www.erudit.org/fr/revues/sqrm/2014-v15-n1-sqrm02151/1033791ar/
- Nadia Boulanger - Wikipedia - https://fr.wikipedia.org/wiki/Nadia_Boulanger
- Ken Robinson- Conferencia TED 2006 "La escuela mata la creatividad " https://www.ted.com/talks/sir_ken_robinson_do_schools_kill_creativity/transcript?language=fr
- Introducir la creatividad en la escuela- Asociación WAX- https://www.wax-science.fr/introduire-la-creativite-a-lecole/
- Cómo desarrollar la motivación intrínseca de los alumnos en matemáticas - 2020- Johanne A. Séguin- https://webzine.idello.org/comment-developper-la-motivation-intrinseque-des-eleves-en-mathematiques/
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