Pero, ¿cómo aprendieron?

Recuperación de métodos olvidados

La historia del arte está hecha de rupturas. A finales del siglo XIX, cientos de pintores asistían a los prestigiosos y exigentes talleres que proporcionaban conocimientos académicos. Julian, Bouguereau, Lefebvre, Gleyre, Delaroche, Gérôme fueron estrellas que ahora han caído en el olvido. Fue difícil entrar, trabajaron muy duro y salieron con un saber hacer impresionante. No hay error en el drapeado, la anatomía, la perspectiva, la composición. ¡Pero qué aburrimiento!

Sin embargo, más de un siglo después, los entrenadores intentan redescubrir los métodos de enseñanza que llevaron a tantos alumnos a un nivel de virtuosismo casi sin parangón.

Entre ellos, Ramón Alex Hurtado, ha buscado entre toda la correspondencia, relatos, biografías y dibujos de taller para reconstruir la progresión pedagógica de los talleres de finales del siglo XIX. Se acercó a decenas de archivos con preguntas profesionales: ¿Cómo se coge el lápiz? ¿Se hace un dibujo preciso antes de pintar? ¿Empiezas con las sombras? ¿Cuáles son los puntos de referencia para las proporciones? ¿Qué nivel de conocimientos de anatomía se requiere?

Eso es todo lo que tenían que hacer: trabajar, trabajar, trabajar

Hace unos años, una joven llamada Nabilla se hizo impresionantemente famosa tras ver un reality show. Un columnista poco impresionado le señala que a su edad Rimbaud ya había escrito toda su poesía. Tuvo poco tiempo para saborear el comentario. La estrella responde espontáneamente: "Sí, pero no tenía ni televisión ni Internet; no tenía nada más que hacer. Y de hecho, esta es una de las primeras lecciones que nos enseña el estudio de los talleres. También es la lección que nos dejó Kim Jung Gi, un artista coreano que murió a los 47 años y que conmovió a cientos de personas cada vez que dibujaba en público.

Hay que trabajar, dedicarle horas. Mañanas, tardes y noches, y probablemente parte de la noche. Pero también hay un método, a menudo alejado de los preceptos pedagógicos contemporáneos.

Una progresión lineal

No parece que haya una cuestión de individualización o de proyectos personales. Se entra en el taller para seguir un plan de estudios. Entre las etapas, trabajar en reproducciones de esculturas de yeso, para familiarizarse con los volúmenes, las sombras y la luz. Cuando uno es lo suficientemente maduro, puede esperar pasar a los dibujos a partir de modelos vivos.

Los escritos de la época atestiguan un gran ajetreo y la falta de espacio. Un estudio es un hervidero de actividad. Las etapas pueden completarse más o menos rápidamente, pero permanecen invariables y más o menos iguales de un estudio a otro, y llevan de las reproducciones de yeso a los modelos de pintura.

Este método se encuentra en algunas academias contemporáneas, como la Academia de Artes de Florencia

1. Trabajar las formas, los volúmenes, las luces y las sombras
2. Los moldes de yeso, el estudio de los antiguos
3. Perspectiva, anatomía
4. Modelos vivos
5. Iteraciones, clasificaciones y concursos

Competencia, evaluación continua

Los archivos también muestran el espíritu competitivo que reinaba en los talleres. El maestro evaluaba y clasificaba regularmente el trabajo. Estas clasificaciones anticipan los concursos, y en particular el Prix de Roma, al que todos los artistas aspiraban y que les permitía ser acogidos en la Ciudad Eterna.

El Premio de Roma es una garantía para obtener numerosos encargos. Los archivos muestran que, nada más entrar en los talleres, los alumnos eran clasificados. Una buena clasificación les permite, por ejemplo, elegir su lugar frente a las modelos. ¿Significa esto que el ambiente entre los estudiantes era malo? No parece que la cuestión interese a los profesores, pero los testimonios de los artistas en ciernes, sus cartas y sus escritos muestran también una ayuda mutua espontánea entre ellos, que no parece ser alentada ni acompañada por los profesores.

Conocimiento, construcción

Los pintores de estudio no se consideraban a sí mismos como artistas, sino como personas que hacían arte. La inspiración, el genio y la intuición tienen poca cabida en las progresiones de la enseñanza. Se trata sobre todo de una cuestión de construcción, de conocimientos precisos de anatomía y de reglas de composición. Al igual que Leonardo da Vinci, estos artistas se consideraban geómetras. Viven su arte como artesanos. ¿Qué huesos componen el esqueleto? ¿Dónde se encuentran los músculos? ¿Qué proporciones se relacionan con los cánones antiguos? Estudiamos una y otra vez.

Desde una perspectiva más contemporánea, uno podría estar tentado de proponer un curso de estudio en el que la formación fuera más libre y abierta a medida que los estudiantes ganaran en técnica. También se podría imaginar que una parte de la formación sería más libre desde el principio, y orientada a la imaginación, a la creación personal... No parece que los talleres de finales del siglo XIX tomaran esta dirección, a excepción de unos pocos, como el de Gustave Moreau, donde artistas como Rouault o Matisse hicieron su aprendizaje.

¿Cuándo se deja de estudiar y se empieza a crear? La respuesta es nunca... Cualquiera que sea el estudio, y Alex Ramón Hurtado nos presenta casi una docena de ellos, los modelos vivos de cuerpo entero, elevados por encima de los alumnos, siguen a los moldes de yeso, con la misma atención al volumen, la luz, las proporciones y el modelado. Incluso Henri Matisse y Albert Marquet, que pronto revolucionarían la pintura, siguieron este aprendizaje.

Por lo demás, es evidente que pensamos en Flaubert y en las lecciones que dio a Maupassant. No es cuestión de invocar a las musas y hacer descansos inspirados. En un artículo publicado en la revista Lire, Emmanuel Schmitt se inspira en este autor para advertir contra la fe en el "don", que facilitaría la realización de una obra maestra.

"En el ámbito literario se suele señalar: una persona tiene el don del diálogo, otra de los personajes, otra de las frases, otra de los detalles, otra de las imágenes, otra del movimiento, otra de la musicalidad. Sin embargo, una persona rara vez los recibe todos. Esto es lo que le impulsa a uno a arremangarse, a diagnosticar sus cualidades, defectos y carencias, y a rellenar los huecos con trabajo duro".

Imitación

Sin ser espacios para "copiar", los talleres comparten una cultura en la que el Renacimiento aparece como un horizonte insuperable. Los profesores se refieren a diario a Leonardo da Vinci o Miguel Ángel, o incluso a Rafael. Y aquí también, ¡no pueden evitar establecer clasificaciones! Estas clasificaciones se siguen encontrando entre los profesores. ¿Quién de Cabanel o Gérôme es el más grande? Afortunadamente, cada uno de ellos destaca en algunos criterios y se queda corto respecto a su colega y rival en otros.

Estos talleres han seguido siendo espacios de estudio. Los que han dejado una huella en la historia del arte a menudo han huido o se han alejado de ellos. La búsqueda de la perfección, el rigor y la artesanía han ahogado la locura y la espontaneidad que hacen el arte.

Al escribir este artículo unos días después de la muerte de Kim Jung Gi, se puede esperar. Este dibujante virtuoso, trabajador incansable con una memoria impresionante, fue también el portador de un mundo imaginario surrealista, violento y torturado, y el portador de una cultura pop donde las imágenes chocaban literalmente.

Recursos :

Ramón Hurtado: página web: https: //ramonhurtado.com/

Stan Propenko - entrevista con Kim Jung Gi - 2018:https://youtu.be/aoqu5SEFqRI

Academia de Arte de Florencia: sitio web: https: //www.florenceacademyofart.com/

Kim Jung Gi: página web: https: //www.kimjunggi.net/fr/

Eric-Emmanuel Schmitt - "Le génie et le Talent" - artículo publicado en la revista Lire - septiembre 2022