Mas como aprenderam eles?

Recuperar métodos esquecidos

A história da arte é feita de rupturas. No final do século XIX, centenas de pintores assistiram aos prestigiosos e exigentes workshops que proporcionaram conhecimentos académicos. Julian, Bouguereau, Lefebvre, Gleyre, Delaroche, Gérôme eram todas estrelas que agora foram esquecidas. Foi difícil entrar, eles trabalharam muito, e saíram com um know-how impressionante. Nenhum erro no drapejamento, na anatomia, na perspectiva, na composição. Mas que maçada!

No entanto, mais de um século depois, os formadores estão a tentar redescobrir os métodos de ensino que levaram tantos estudantes a um nível de virtuosismo quase inigualável.

Entre eles, Ramon Alex Hurtado, pesquisou toda a correspondência, relatos, biografias e desenhos de oficinas para reconstruir a progressão pedagógica das oficinas do final do século XIX. Abordou dezenas de arquivos com questões profissionais: Como é que se segura o lápis? É feito um desenho preciso antes de pintar? Começa com as sombras? Quais são os pontos de referência para as proporções? Que nível de conhecimento de anatomia era necessário?

Era só isso que tinham de fazer: trabalho, trabalho, trabalho

Há alguns anos, uma jovem mulher chamada Nabilla tornou-se impressionantemente famosa depois de assistir a um reality show de televisão. Uma colunista não impressionada aponta-lhe que na sua idade Rimbaud já tinha escrito toda a sua poesia. Ele teve pouco tempo para saborear a observação. A estrela responde espontaneamente: "Sim, mas ele não tinha televisão nem Internet; ele não tinha mais nada para fazer. E de facto, esta é uma das primeiras lições que o estudo dos workshops nos ensina. É também a lição que nos foi deixada por Kim Jung Gi, um artista coreano que morreu aos 47 anos de idade e que movimentava centenas de pessoas cada vez que desenhava em público.

É preciso trabalhar, dedicar-lhe horas. Manhãs, tardes e noites, e provavelmente parte da noite. Mas há também um método, muitas vezes longe dos preceitos pedagógicos contemporâneos.

Uma progressão linear

Não parece haver qualquer questão de individualização ou de projectos pessoais. Entra-se na oficina para se seguir um currículo. Entre as etapas, trabalhos de reprodução de esculturas de gesso, para se familiarizar com volumes, sombras e luz. Quando se está suficientemente maduro, pode-se esperar passar aos desenhos de modelos vivos.

Os escritos da época testemunham uma grande agitação e a falta de espaço. Um estúdio é uma colmeia de actividade. As etapas podem ser completadas mais ou menos rapidamente, mas permanecem imutáveis, e mais ou menos as mesmas de um estúdio para outro, e conduzem de reproduções em gesso a modelos de pintura.

Este método pode ser encontrado em certas academias contemporâneas, tais como a Academia de Artes de Florença

1. Trabalhos sobre formas, volumes, luzes e sombras
2. Os moldes em gesso, o estudo dos antigos
3. Perspectiva, anatomia
4. Modelos vivos
5. Iterações, classificações e concursos

Concorrência, avaliação contínua

Os arquivos também mostram o espírito competitivo que reinava nos ateliers. O mestre avaliava e classificava regularmente o trabalho. Estes rankings antecipam os concursos, e em particular o Prix de Rome, a que todos os artistas aspiravam e que lhes permitia serem acolhidos em residência na Cidade Eterna.

O Prix de Rome é uma certeza para a obtenção de numerosas comissões. Os arquivos mostram que, assim que entraram nos workshops, os estudantes foram classificados. Uma boa classificação permite-lhes escolher o seu lugar em frente dos modelos, por exemplo. Isto significa que o ambiente entre os estudantes era mau? Não parece que a questão interesse aos professores, mas os testemunhos dos artistas em formação, as suas cartas e os seus escritos mostram também uma ajuda mútua espontânea entre eles, que não parece ser encorajada ou acompanhada pelos professores.

Conhecimento, construção

Os pintores de estúdio não se viam como artistas mas como pessoas que faziam arte. Inspiração, génio e intuição têm pouco lugar na progressão do ensino. É sobretudo uma questão de construção, de conhecimento preciso da anatomia e das regras de composição. Tal como Leonardo da Vinci antes deles, estes artistas consideravam-se geómetros. Eles vivem a sua arte como artesãos. Quais os ossos que compõem o esqueleto? Onde estão os músculos presos? Quais as proporções relacionadas com os cânones antigos? Estudamos repetidamente.

De uma perspectiva mais contemporânea, poder-se-ia ser tentado a propor um curso de estudo em que a formação seria mais livre e aberta à medida que os estudantes ganhavam em técnica. Também se poderia imaginar que parte da formação seria mais livre desde o início, e orientada para a imaginação, criação pessoal... Não parece que as oficinas do final do século XIX tenham tomado esta direcção, com excepção de algumas, como a de Gustave Moreau, onde artistas como Rouault ou Matisse fizeram a sua aprendizagem.

Quando se pára de estudar e se começa a criar? A resposta nunca é... Qualquer que seja o estúdio, e Alex Ramon Hurtado apresenta-nos quase uma dúzia deles, modelos ao vivo, ao vivo, levantados acima dos estudantes, seguem os moldes de gesso, com a mesma atenção ao volume, luz, proporções e modelação. Até Henri Matisse e Albert Marquet, que em breve revolucionariam a pintura, seguiram esta aprendizagem.

Noutros aspectos, estamos obviamente a pensar em Flaubert e nas lições que ele deu a Maupassant. Não se trata de invocar as musas e de fazer pausas inspiradas. Num artigo publicado na revista Lire, Emmanuel Schmitt inspira-se neste autor para advertir contra a fé no "dom", o que facilitaria a produção de uma obra-prima.

"No campo literário, nota-se frequentemente: uma pessoa tem o dom do diálogo, outra de personagens, outra de frases, outra de detalhes, outra de imagens, outra de movimento, outra de musicalidade. No entanto, uma pessoa raramente os recebe a todos. Isto é o que nos leva a arregaçar as mangas, diagnosticar as nossas qualidades, defeitos e falhas, e preencher as lacunas com trabalho árduo".

Imitação

Sem serem espaços para "copiar", os workshops partilham uma cultura em que o Renascimento aparece como um horizonte insuperável. Os professores referem-se diariamente a Leonardo da Vinci ou Miguel Ângelo, ou mesmo Rafael. E aqui, mais uma vez, não podem deixar de estabelecer classificações! Estes rankings ainda se encontram entre os professores. Quem de Cabanel ou Gérôme é o maior? Felizmente, cada um se distingue por alguns critérios, e fica aquém do seu colega e rival em outros!

Estes seminários têm permanecido espaços de estudo. Aqueles que deixaram um rasto na história da arte fugiram ou afastaram-se muitas vezes deles. A busca da perfeição, rigor e artesanato asfixiou a loucura e a espontaneidade que fazem a arte.

Escrevendo este artigo alguns dias após a morte de Kim Jung Gi, pode-se esperar. Este desenhador virtuoso, um trabalhador incansável com uma memória impressionante, era também o portador de um mundo imaginário surreal, violento e torturado, e o portador de uma cultura pop onde as imagens colidiam literalmente.

Recursos :

Ramon Hurtado: website: https: //ramonhurtado.com/

Stan Propenko - entrevista com Kim Jung Gi - 2018:https://youtu.be/aoqu5SEFqRI

Academia de Arte de Florença: website: https: //www.florenceacademyofart.com/

Kim Jung Gi: website: https: //www.kimjunggi.net/fr/

Eric-Emmanuel Schmitt - "Le génie et le Talent" - artigo publicado na revista Lire - Setembro 2022